荷，一直有这样的烙印：东方的，中国的，骚人墨客自视超凡脱俗的象征。
或许是观世音菩萨的坐莲图凝固了一种永恒的精神，抑或是华夏君子对圣洁的渴求自古至今从未停歇过呐喊，禹域古今，诗文书画不涉荷者，似乎算不上文人。于是，从春绿夏盛到秋残冬枯，从风霜雨露到日月映照，从卓越风姿到圣洁品格，无数以君子自勉的舞文弄墨者，留下了数不尽的诗赋丹青。“出淤泥而不染，濯清涟而不妖”便是对荷的人格化描写中最负盛名的九鼎绝句，语出北宋哲人周敦颐的《爱莲说》；画家中，在莫奈的睡莲撼动世界画坛三十年后，被誉为“荷痴”的张大千，却以中国人独有的视角和表现力，掀起了一波世界级的“大千荷”旋风，其作品《金荷》正是在这个时候，被享誉“艺术天堂”的莫奈的故乡法国，以政府的名义收藏，再度捍卫了荷的中国烙印。
正是这些被后人尊称“大师”的华夏诗人、画者，千百年来对荷的颂扬，为荷烙上了难以磨灭的中国烙印。也正是这些颂扬，对关乎荷的诗文、绘画的欣赏，始从文人骚客走向芸芸众生。然而，艺术，尤其是绘画艺术，恰恰需要从普众审美中超脱。这不仅是精英文化与大众文化的差异使然，更是艺术家的责任和作为所在——索普众审美所不及，为前人所未为。如此说来，今时此地，沈鑫选材于荷岂不是甘随人后？其实不然。在周敦颐的《爱莲说》问世之前两百多年，白居易在《阶下莲》中，就有“叶展影翻当砌月，花开香散入帘风”的华词脍炙人口；张大千被誉为“荷痴”之前三百多年，八大山人的《荷花翠鸟图》早已挂在了青云圃道院的墙上。艺术，尤其是绘画艺术，价值的考量绝不依附于题材的选择，重要的是有别于他人的意图、视角、意识和观念，以及诉诸图式的手段。此外，情感，是画者赋予其作品灵魂的重要通道。在沈鑫眼里，绘画，是画者个体心灵的体验，她不能想象如何能画好与自己的心灵和情感无关的事物。怎么画比画什么重要，这是现当代画家的普遍共识。而在沈鑫看来，比怎么画更重要的，是为什么画。沈鑫画荷，只因为爱荷。
沈鑫对荷的钟情源于芭蕾。童年的沈鑫，与芭蕾结缘，在长达八年的学习和表演中，不绝于耳的，是老师结合芭蕾舞姿对荷的解读。从那时起，沈鑫便养成对荷的观察、欣赏和思考的习惯，渐渐钟情于荷。她从诗文间赏荷，在画作中赏荷，亲历无数荷塘赏荷。赏荷，成了她生命中难以割舍的组成部分。是文豪们对荷的赞美之词，启迪沈鑫读懂了荷的人格化品性；是绘画大师们对荷的丹青布施，使荷的卓越风姿铭刻在沈鑫的脑海；是荷，那冬去春来的生死轮回，让沈鑫感悟到生命的意义。当她把这种感悟带入她曾演绎的芭蕾《天鹅之死》时，生与死，这肃穆而悲切的主题，竟由始至终给人一种力压哀思的美的感染，不仅感染了观者，也深深地感染了她自己。在沈鑫心中，芭蕾与荷，同为天底下最极致的美。的确，天下万物，还有哪一种生命能像荷那样，无论盛衰生死，都在倾心而默默地展示着每一个生命时点的风采与气节？生亦卓越，死亦卓越。这是大美，这是荷。从读荷、赏荷到将荷融入芭蕾，荷在沈鑫心灵深处的地位，崇高而神圣。以致她淘尽古今中外关于荷的华章和画作，也找不出她为荷所期许的境界，这让她心生遗憾。于是，她决意画荷。就像当初将荷融入芭蕾那样，她要将芭蕾融入画荷，她相信这是个可逆的通道，并相信她为荷所期许的境界会在这样的融入中诞生。
沈鑫始画荷时，恰逢画界乱象横生的时代。西方，欧美，后现代主义盛行，架上艺术身陷边缘化境地；东方，中国，体制内外无声的对抗，原创性的价值和意义，在传统守旧和舶来的前卫中，置若惘然。与此同时，国内关于艺术、美学的普及教育，似乎还局限于扩招了的艺术院校当中，除此之外的大众审美可接受的范围，绝大多数还停留在100年前的艺术样式上。而天价画作，却偏偏诞生在这样一个艺术生态近乎荒诞的浮躁的时代。
在这样的时点上，不知有多少画家因功利而浮躁，因浮躁而迷茫。而沈鑫却因情感的驱使，起始一种由顿悟引发的追求极致境界的新的创作，在她心中，除了对荷的钟爱，全然无视画界里各种乱象的存在。她深明作为一个画家的担当，索普众审美所不及，为前人所未为。
她希望在芭蕾与绘画之间找到一种交融的通道；希望在动与静之间寻求一种随遇而安的妥协；希望在光与色之间创立一种远离传统色彩理论的色彩体系。她做到了。对芭蕾中外柔内刚的体验和感受，对牵动舞姿的音乐节奏和旋律，都应约而至，成功地引领着她的画笔，使其笔到之处刚柔并济，更具风一般舞动的意味；芭蕾中，如果把平衡视为静态，那么失衡就是两个静态之间的动态，是力量展示的过程。而画面中的失衡，恰是跳出传统构图的突破口。沈鑫正是在芭蕾中的动和画布上的静之间，巧妙地妥协，寻求到一种失衡而不失美感且蕴含着动感的静止，并由此打破学理意义下的传统构图；舞台上的灯光很少有人陌生，但要把舞台灯光看成色，而不是光，却不是每一个人都具备的视知觉转换力。芭蕾舞台的灯光尤其特殊，聚光追逐着舞者，时而夸张时而含蓄，在背景光的衬托下透明而深邃。沈鑫把她最熟悉的光色移植到画布上，经历了很长一段时间的摸索。她的画面放弃了光影，而她的色彩，却饱含光感。她的用色看上去很饱和，甚至有原色的感觉，但没有任何一支颜料能直接挤出这些颜色。她以娴熟的色域控制力，大胆对画面进行主观设色，轻车熟路地玩转极易落入俗套的红黄蓝绿，形成自己的色彩体系，使画面响亮而雅致，厚重而大气。
她的《赏荷》系列作品，不仅有着较强的形式感和视觉震撼力，蕴藏于形式中的情感、意境和个性化的表现手法更值得细品和追捧。从她大写意的潇洒运笔里，能品出舞者的力量、舒展、柔美和温情。在她的色域经营中，能品出画者的色彩素养以及创作时的激情。《赏荷》系列作品受到越来越多的藏家的青睐，这与她画荷时投入的情感是分不开的。正式这份情感，使她的作品有了灵魂，使她画布上的荷有了生命。但她并没有满足，她心有追求极致的信念，她希望在传统和前卫之外，找到一种只属于自己的绘画语言；希望用自己的艺术样式，去唤醒更多观者的审美潜能；希望用自己所擅长的芭蕾和绘画，去表达自己对荷的热爱，并证明一个平凡生命的价值与意义。这一切，都正在实现。她的绘画语言在两种不同门类的艺术形式的交融中，逐渐建立；她个性鲜明的艺术样式，激发了众多观者更丰富的想象力；她用对芭蕾和绘画的擅长，成功地把自己修炼成一个自己所期望的，自由而快乐的，画布上的舞者。
