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作者:汲平2012-07-19 11:28:23 来源:中国雕塑家网
四：本质上是很主观的绘画……
W：我们聊聊你画画的过程和技法，你是全程写生还是偶尔用模特？
Z：以前是个别地用一些模特，现在用照片比较多一些。但是服饰什么的，有时候有一些写生，因为我觉得一张画里有那么几个地方，写生比完全自己去想象要好。因为写生更肯定，有些东西我就需要比较肯定，比较讲究笔触和塑造。我喜欢用黑白照片，比如，照片的某一个地方有两个珠子，这种可能性给我提供了，需要的时候可能我画三个，画十个，它只起这么一个作用。比如她这儿搭一块红布，那我可能就搭一块比那个更大的一块，完全是根据我这个画面的需要。觉得这儿需要一块白我就是一块白，它如果是黑的，我不管，我就给它白的。如果这块就是虚的，可能上面的东西很具体，我也不管，我就给它虚。
W：同样是写实，你更强调神来之笔式的表达。
Z：有的人喜欢开始就把轮廓固定好，然后填色，在画的过程中不破坏形，形已经很固定了。我不喜欢开始就把形固定得特死，我喜欢跟着感觉走，开始比较松，整个画面都比较松。几笔下去以后，我觉得这几笔又有形又有韵味，我觉得就行了。有时候这几笔在服饰的周边，你说它是什么？好像什么也不是，就觉得这两笔在这儿挺合适的，好看，就顺着这个下来了，不再去推敲它的具体性了，就是一种感觉、视觉上好看、舒服就行了。
W：等于你在画画过程当中，除了面部之外，其他地方其实更在乎笔意？
Z：我比较喜欢笔意的韵味，喜欢顿挫、拖、擦的效果，笔的表现力在我的画里是很重要的一个环节。用笔上好象在某种程度上，一个是能看出每个人的区别，就跟签名一样，人和人都不一样。能看到比较个性的内涵，再一个，笔的塑造也是很高的素养。
我画画真是在找一种感觉，不再推敲它合理不合理，感觉到了，就这样了。有些买画的人，说你这块还没画完！我说这就是恰到好处，不能再画了。他会暗地里觉得你这张画还不太完整，有点偷工减料，他觉得你应该把它画完。我画到我觉得很好地时候，就搁起来了。因为有些效果不是说张张都那样，有时候画十张可能有那么一张一两个地方能出一种自己满意的效果。
W：你的画里肌理是很重要的元素。
Z：我做肌理都是用油画笔，并不是严格的按照形来做，比较随意，甚至是下意识的。干透以后再染，然后擦掉表面的浮色，高出来的地方就是白的，凹进去的地方有色垢。
在做肌理的阶段很多东西看不出来是什么，似是而非的，好像是“似与不似之间”的状态。我觉得把握住这种感觉是挺难的，但很重要。
有些效果是一笔，啪！带出来了。在起稿的时候那种状态极为重要，一气呵成，好多东西出来了，一笔上去，而这一笔有可能以后再怎么画都找不着那种感觉。有时候你画着画着又把这笔破坏掉了，给画没了，那我就索性把后来画的全擦掉，就为了要这一笔的效果。经常是这样，画着画着把最重要的效果都给画没了，越画生动感越弱。
很多生动的东西，是你在很理智的情况下可能画不出来的。往往很刻意，很理智的抠那个形，抠出来的感觉不好。而在很放松，很随意，很下意识的情况下感觉特好，但就看你能不能把它保留住。没保留住，最后给画没了，那我就拿油给它擦了，恢复到最开始的感觉，再重新来，不行我再擦掉，再来一笔。
W：你画画的速度会不会很慢？
Z：起稿的时候还是很快的，这个时候好象气韵挺贯通的，我画画都是站着，我觉得站着气能贯起来，所以在开始起稿的时候，尽可能的找那种把气韵贯起来的状态。而且这个时候画面的布局，布局，节奏，应该心里有数。这个时候再下笔，感觉是连贯的。如果在中间阶段就去调整，气就断了。起稿的时候要一气呵成，包括做肌理。染的时候，就属于整理工作，一点儿一点儿的去按照它很自然的肌理去找形。我在这些处理上比较强调写，不要有描来描去，要写。有些地方画的非常松驰，尽可能的松，越松越好，松到能能看出布纹，这样就感觉透气。
W：这种控制依据什么呢？
Z：当然画的多了，基本上到哪一步心里大概有一点儿数，到哪一步能保留哪一块效果非常重要。我觉得一张油画的层次不是说是我画一遍，完了，我又画一遍，再画一遍，三遍。这不行，应该是从最开始的那一遍，到画完成，最初的那些地方依然能看到，每一步的效果都能留下来。布的底子都留着，能看出哪儿是第二遍压上去的，哪儿是第三遍压上去的，这样画面的层次感就丰富了，就透气，这才是层次丰富！后面的总把前面的压掉，那你画十遍也没有用。
W：脸部的这种受光部分的刻画，跟其它部分不太一样。
Z：脸我基本采用直接画法，笔触不是很明显，给它稍微含蓄一点，柔和一点。考虑到一种对比，不能到处都是笔触。我觉得女孩嘛，脸稍微圆润一点儿，和这些服饰就有比较强烈的对比。
W：你平常用色的习惯都接近暖色调，是跟伦勃朗有关，还是个人的偏好？
Z：我对暖色有一种偏爱，再一个，我觉得这一张画里边，在一个比较重的背景里边，一块红，一块黄，一块白，从视觉效果是特别突出的。我一般在画面里边这几块颜色用的比较多。因为每个人不一样，有的人色感偏暖，偏灰，有的可能偏纯度高，我是偏暖一点。
W：你画里的虚和实有很独特的处理。
Z：在我的画里隐藏着对虚的一种理解和认识，我觉得虚有两种，分抽象的虚和具像的虚。比如说我们一个具体的形，要让它虚的时候，就像用镜头给它推远了，那个虚是有形的，我把形的边缘减弱，它虚掉，向远处推过去，这是具像的虚。但是抽象虚没有形，却在画面里起到很重要的作用，这些东西是虚的（指没经过刻画的不同色迹，见图例**），但是它是抽象的，在这个基础上，有几个比较具像的东西出来以后，一下就把这一块都带起来了！如果你把这几个很具体的东西捂上以后它什么都不是。
W：你的例子很接近摩尔雕塑上正负型的概念，他那些虚空的东西与实体部分共同构成了我们习惯的视觉形象。
Z：所以我觉得“抽象虚”正是构成“似与不似之间”这个概念的根本要素。是实体的东西赋予了它含义，它又增加了视觉的层次感和丰富性。如果没有抽象虚在里边，这个画就完全不是这种感觉了。
W：我当时看你的画册细节看不太清楚，只是觉得刻画得精细入微，看原作才知道是廖廖几笔，甚至有点儿草率。
Z：因为画面上的结构和生活中的实际结构是完全不同的。画家是在画面上建立一种新的结构关系，而这种结构关系给人的感觉又是生活中的那种感觉，这应该是艺术比较高的境界。视觉艺术家不可能把生活中的东西完完全全搬到画面上，而是把真实中的结构关系加以提炼，变成平面上的结构关系和次序，最后给人造成的感觉又是真实中的那种东西。
W：你这个话题刚好也说到照片和写实绘画之间的区别之处。
Z：对，有很多艺术家的处理藏在里头，处理是什么？处理就是画家把不同空间里的东西重新给它组合、结构，变成一种新的东西，而这种新的东西让人看了以后，觉得又是原来之物，但它已经包含了艺术家的思想、个性、才华和解释了。
伦勃朗的画我体会特深，大师高就高在这儿，分寸把握的特别好。我让你在一定距离感觉它真的是实实在在的，近了一看，好多东西根本都没画到，你不觉得这是高手吗？而你把小珠子一个个都抠的跟真的一样，高光、反光、过度，说的那什么一点，匠人也可以做到，那不是大艺术家，艺术家就是一种提炼，一种处理，一种升华。写实绘画其实本质上是很主观的绘画。
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