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作者:汲平2011-10-31 15:14:09 来源:中国雕塑家网
中央电视台《中国当代画家》编委会
《中国当代画家》期刊“美术大讲堂”栏目之——对话唐勇力先生
唐勇力：中国当代具有代表性的工笔人物画家，兼长写意人物画。现为中央美术学院教授、院学术委员会委员、中国画系主任。
刘洪郡：中央电视台《中国当代画家》栏目组
以下简称唐，刘。
刘：唐勇力先生是当代最具代表性的工笔人物画家，在庆祝建国60周年绘画大展活动中，您绘制的那副《开国大典》大画给观众留下了深刻的印象，颇具震撼力，请您谈谈创作这幅画过程的特殊体会和感受?
唐：《开国大典》的地位很特殊，因为这是历史的更新时刻，一个新的政府成立，要体现出一种庄严凝重而激动人心的历史感。这就决定了画的特色与艺术角度。董希文画开国大典用了三个月的时间，他是以新闻记者角度构图，突出其写实性和场面性，年画色彩很重。很鲜亮，很有照片效果。画面上的人物，加上毛泽东总共8个形象，是侧面的。当年开国大典，在天安门城楼上站满了人，从纪录片来看，人可以自由活动，没办法从很好的角度留下一张现场照片，这张油画的出现，很好的弥补了这个不足。时隔六十年，我现在用中国自己的传统民族特色语言作画，来表现中国的开国大典，我与董希文的作品对比，就像是同一场讲话，一个是用中文，一个是用英文。从画面的构图来说，《开国大典》是采取了尊重历史又具有艺术表现力的手段。《开国大典》首先立足于“开国”，“大典”只是一个表现形式，开国的标识是一个政府的诞生，用大典的形式来展现。
我对于开国的理解来自于毛泽东在城楼上宣读的一句话：中华人民共和国中央人民政府现在成立了。那就是说，国家的开国大典就是政府的成立。那么开国大典的立足点就是政府的全体委员。所以，我就尊重历史，把64个委员画了上去。作为一个国家主席，我希望能够用正面面对世界，而且所有的委员都应该是正面面对世界。我在主题、立意、构思方面无论是从艺术方面，还是在技巧的推敲上，都经过了长时间的实验。现在收藏在中国历史博物馆，现在还在巡展中。现在回过头来看，画面还是有很多遗憾的。
我当初是把画面分成八块来分别创作的，只顾及每个小部分的整体性，合起来之后才发现，有些颜色不太统一，有些小瑕疵，因此又调整了一个月。中央美院旁边没有大画室，我在创作的同时还得顾及着上课讲学。因为学校经常会有事，不能走太远，就选了离学校近的画室，结果面积不是很大，只能将画分开来画，就影响了整体效果。
现在想来，如果当初接了任务，一咬牙，学校什么事情也不管就认真把画画好，可能就会少一些遗憾了。如果说我给学生的作业分打的最高的是95分，那我给自己的《开国大典》就打90分。这幅画是留给后人来看的。我用了三年的时间，三年画画的时间全部用在了《开国大典》上，每天也都是利用工作的空闲时间。达•芬奇画《蒙娜丽莎》用了12年，他是画一点又要放一段时间，可以说是断断续续做出来的。这个不能比的。不过给我定的时间还是短了，我画的背景太严谨了，应该可以再随意一点。
刘：唐先生作为北方人，曾经在中国美术学院任教很长时间，请问您对南北绘画的差异性如何理解的?
唐：从教学的角度来说，南北方的学术代表机构就是中央美术学院和中国美术学院。老师的知识结构不同，教学方式不同，学校的教学方针和基本思想也有不同。还有一个方面，那就是地域优势。北京是一个交汇处，是个国际化的大都市，很多艺术、文化等在这里汇集，什么样的艺术都可以在北京找到它的生存空间。
杭州是南方风景城市，安逸，很文人化，“晚风吹得微微醉”。流行水墨画，具有盛产文人雅士的文化氛围。其他的艺术门类相对要弱一些，也因为城市太小，其他的艺术形式与表现形式没有生存空间。
但是中国美院可以和中央美院的地位相当，难分伯仲。至于其他美院呢，不是说它们不优秀，没有特色，没有优秀的画家和毕业生，这些院校的教师基本上都由中央美院或者其他院校输送，具有外部性。
而中国美院的教师基本上都是自产自销，一根藤生长，他们具有独立的面貌，他们立足于中国的传统水墨，根很正。关键是中国美院有着几个根正的传统大家，如黄宾虹、潘天寿等。再如广东美院，虽有关山月和岭南画派等大家，但是他们都不属于纯正的中国水墨画，高剑父就受日本影响很深;西安美院虽有个石鲁，但是太单一，而且风格也还没有完全形成。关于中央美院，大家就不用说了徐悲鸿 蒋兆和 李可染等一批大家起着举足轻重的作用。
在其他美院的里，在教学领域，这些大家大师没有真正地参与教学。但是在中央美院、中国美院，如潘天寿、徐悲鸿同时参予了教学，通过课程设置，分科分系，风格自然形成。但是两个美院还是有所区别，中央美院没有一股力量能将众人拧成一股绳，个人特色很强，老师的知识结构容易变化，外来的新东西，特别容易吸收，能迅速改变他原本现有的知识结果，促使他进行表面上的更新，又酝酿形成新的面貌。中央美院经过了第二个思潮后，教师对于教学和艺术的认识是不统一和不稳定的。
刘：唐先生是如何引导自己的学生的?你对目前教学体制又有哪些新的理解?
唐：我是不会把学生当实验品的。现在学院的教学，都是跟着时代的趋势去教学。老师的教学指导思想不明确。现在变形风来了，就教变形;形式构图来了，就教形式构图。其他的课程几乎处于排斥状态。
我认为在学校教学时，应教前人成熟的经验，因为有些知识是固定不变的。如果学生的学习处于一种偏激，最终便处于迷茫状态，一连串的困惑便会出现。所以，千万不能因为老师的偏好而影响教学。老师对新来的东西自己可以消化，理解，并把它表现在自己的作品里面，这当无可非议。但是冒昧就传授给学生，是万万行不通的。学生要因材因人施教。
现在学生的画像老师的很多，我在一些场合就经常碰到一些情况，有些画家曾跟随哪个名家哪个导师修过学，拿来他最近的画作让我指点。可这些画作跟他的老师一模一样，我如果要开口，就等于否定了他的老师。其实这并不是老师的要求，但是学生模仿的时候老师没有去阻止，这就成为了一种默认。我强调老师要用你的思想去深入启发引导学生挖掘个性化的东西，绘画的风格性确实很重要。教师万不可把自己的思想灌输给学生，如果老师不动脑筋，进教室就画画，树这么画，石头这么画，像表演一样，学生一看，哦，就是这样啊。比如画头发，本来头发是黑的，只是感受不一样，我就画几条线。学生一看老师这么画，他可能就会学着把头发都画成这种线处理。这是不行的。
你可以画给学生看，但是你要告诉学生：我画的是我的个人体会，这是我看到的，不是你看到的。你要做的就是研究，为什么我会这么画，为什么要这么处理，这样的艺术特点是什么。你要学的是我的思考方式，或者某些处理方法。老师是传道授业的，不能只是单纯传技，老师教的是普遍性的“技”，规律性的，有标准性的。
作为教师，回想一下你自己教书之前的漫长的学习经历，自己是怎么学来的?当初你不也是一笔一笔画出来的嘛，所以现在可以随便画了。就像吃了三个馒头后，第四个馒头就吃饱了，你是不能就否认之前三个馒头的作用。所以，老师一上来是不能把自己的结果直接强加或灌输给学生的，这是误人子弟的。要让学生走很正常的、学习的路子，开发他的智力，引导他思考。
刘：这是一个在当代教学体系里面普遍存在的问题。那些以个人工作室名义招募学生的情况该怎么看待呢?
唐：个人工作室还是很好的，它的特点是有明确的艺术风格追求。我的工作室是强调工笔的写意性，这是一个基本的指导思想。在共同的艺术思想的指导下来追求绘画，这才是个人工作室的意义所在。当然，每个学生对于写意工笔的认识是不同的，每个人的画法也是不同的，这即是在共性的基础上深挖个性。比如油画，可以分为写实风格、现代风格等好几个工作室，就是以艺术思想来划分工作室的，而不是以绘画方法来区分的。个人工作室的产生使艺术更专业化。
刘：您既是画家又是教师，两者之间你是怎么定位的?
唐：当一名称职合格的老师不容易，很多水平一流的画家走进学校，走上讲台，这是一个好事情。我以前有位老师，一个好的美术学院老师，一定是画得很好的。但反过来说，画得好的画家，不一定就是位称职的好老师。我以为可以分为三种类型来评判：第一种是既是好画家，又是好老师;第二种，是个好画家，但不是位好老师，就是因为个人个性化太强;第三种，他是个好老师，但不是一位好画家，基本的理论和用笔他都懂，但是就是缺乏创造性，缺少新的东西。这样的老师，对学生来说是好的，可以练习扎实的基本功。我当然想做第一种，还要再努力。一个好的画家是要有很好的基础和很好的创造力，创造力体现的就是个性。如果仅仅把个性传授给学生，这不是个好老师。没有个性的老师没有很好的创造力，优秀作品不会很多，但是他会把最基础的东西教给学生，让他们扎扎实实打基础，就像一个教练，以我的资质是不能参加比赛的，但是我训练的运动员是能拿冠军的。就像刘翔的教练是不能当世界冠军的，但是他指导刘翔拿到了冠军;金铁霖是个好教授，教出了宋祖英、吴碧霞等著名的歌唱家，但是他自己不是。我们最喜欢第一类老师，学生一看老师画得好，而且具有着人格魅力，这一点很重要。艺术本身就是人的个性展现。
刘：唐老师怎么看待一个画家对书法上的修炼?
唐：我现在画仕女画，偶尔也会题上不少字。画中国画，尤其是写意画，书法尤其重要。字体现一个人基本的文化修养和文化深度。字的用笔与写意画、国画有很多地方是相通的。书法学好了，画画、用笔就很灵活。古代的大画家，字都很漂亮，这在绘画中能弥补很多缺憾。
刘：说起唐老师的画，就会想起您的敦煌系列。你怎么评价那一段过程?能谈谈创作这批作品的背景吗?以及您创造了肌理这一个独特的语言?
唐：有人说我画这批作品是因为姓唐，所以去了敦煌那里，重温大唐的辉煌，呵呵，那是一种戏说。其实是起源于去敦煌采风，学习，然后对敦煌壁画的一种迷恋，被它的神秘感吸引了。这不是一种突然地、爆发性的转折，而是一种渐进式的被感染被生发，觉得这个可以成为自己的一种语言和特点，然后一点点探索。这是一段很长的时间，现在已经画了70多张了，还需要进一步完善。
刘：您的画面，无论是技法、线条、色彩，还是人文情怀，都达到一定的高度，您觉得还有哪方面冥冥中吸引你进行下一步探索?你也一直没开过个展，一直都这么低调?
唐：是的，我还有很多的地方需要改善、完善。真正的画家对自己的艺术成就是经常抱有缺憾的。我想再创作一批精品力作，计划做展览的事情肯定会有那一天。但我不急，一切顺其自然，水到渠成吧。
刘：您如何看待艺术与市场的关系?
唐：我以前觉得艺术是第一的，市场无所谓。所以这么多年来，自己一心搞学术而扑在教学上面。现在对市场意识也不排斥，艺术还是需要钻研的，但是市场也需要研究。我想画家还是要把学术放在第一位的，学术可以推动市场，我想，无论市场怎样风云变幻，学术水平高的，在市场上是最终的赢家。而不是一味地谁能炒，谁就卖得好。我对拍卖行不感冒。
刘：您如何看待当代艺术?
唐：当代艺术以前是边缘艺术，将来也不会成为主流。中华民族的传统文化才是我们的根。现在世界一体化趋向，站在精神大同的高度，东方文化和西方文化界限也许会越来越模糊。这其实很危险的，文化的入侵才是最可怕的。经济发展的迅速，国与国之间的竞争最终就是文化的竞争。我们一定要紧紧抓住我们民族文化的根。中国传统文化不会排斥外来文化，外来文化也不能动摇中国文化，就像一个外国人在北京也能生活得很好，一个中国人在纽约生也能活得很好，但是他们都不能取代那个大环境的主流文化。
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